DuduBloom More, Aligning Unsettled Calm I, 2020, Fil de coton cousu à la main sur papier, avec l'aimable autorisation de Berman Contemporary

Dix artistes à surveiller à 1:54 Contemporary African Art Fair 2020, Londres

Suzette Bell-Roberts met en avant dix artistes à surveiller à 1:54 Contemporary African Art Fair, Londres. Ces artistes sont représentés par des galeries participant à la foire qui ouvre au public le vendredi et se déroule jusqu'à dimanche à Somerset House à Londres.

Galerie UBUNTU - Egypte
Doaa Fakher, Sans titre, 2018 x 103 cm, Acrylique sur toile. Avec l'aimable autorisation de la galerie d'art UBUNTUDoaa Fakher, Untitled, 2018. Acrylique sur toile, 103 x 108cm. Avec l'aimable autorisation de la galerie d'art UBUNTU

Doaa Fakher est née en Égypte en 1992. Ayant vécu les troubles politiques et l'instabilité qui se sont déroulés dans l'Égypte après 2011, son travail est un aperçu de l'esprit du général égyptien Z.

Fakher puise l'essentiel de son inspiration dans la nature, ses créatures éthérées directement référencées à partir d'arbres aux traits semblables à des troncs auxquels elle ajoute des caractéristiques humaines. Son travail se distingue également par son choix de couleurs, où elle ajoute un contraste brusque entre le premier plan et l'arrière-plan pour mettre en valeur et présenter ses sujets avec éclat. En même temps, elle parvient à contenir une grande quantité de détails, permettant au spectateur d'apprécier la crudité de son esthétique.
Elle a participé à de nombreuses expositions locales, notamment sa participation au Salon de la jeunesse au Palais des Arts, à l'Opéra du Caire (2016 et 2017), au 10e Symposium international de peinture de Louxor et au Dai Arab Youth Festival 2018 à la Dai Gallery, Le Caire. Cette même année, elle a tenu son exposition personnelle à la Townhouse Gallery, également au Caire. Fakher a également reçu de nombreux prix, dont le prix du 28e Salon des jeunes de peinture, le prix de participation au 10e Symposium international de peinture en 2017 ainsi que le prix Salah Taher en 2018. Son travail fait partie de la collection du Musée d'art moderne de l'Opéra du Caire Maison.

Jack Bell Gallery - Royaume-Uni
Jean David Nkot, Po. Coffret - 2470 une vie d'illusions, 2019, Acrylique, Posca & encre de Chine sur toile, 160 x 140 cm. Avec l'aimable autorisation de la galerie Jack BellJean David Nkot, Po. Coffret - 2470 une vie d'illusions, 2019, Acrylique, Posca & encre de Chine sur toile, 160 x 140cm. Avec l'aimable autorisation de la galerie Jack Bell

Né en 1989 à Douala au Cameroun où il vit et travaille, Jean David Nkot aborde les thèmes de la migration transafricaine. Ses œuvres combinent des portraits détaillés avec des couches d'informations cartographiques complexes. Comme l'affirme Floréal Duran, «Jean-David Nkot dresse une cartographie sensuelle, réaliste et errante de tous ces êtres humains conduits à l'inconnu par les situations dramatiques de leurs terres natales. Il puise dans la mémoire de personnes déracinées pour construire une œuvre puissante, pleine d'émotion et non sans poésie pour leur rendre hommage et témoigner. En mettant un visage sur tous ces exilés, il redonne leur dignité et rappelle que l'histoire du monde a été faite d'exilés, de migrations, de tragédies, de souffrances mais aussi d'espoir. Ce faisant, sa peinture porte en elle des questionnements sur nos sociétés, sur leurs capacités à résoudre les conflits, à faire face aux défis environnementaux et économiques.

Cet engagement artistique donne lieu à des tableaux saisissants qui placent l'humanité au cœur de ses choix esthétiques. Le travail de Nkot a récemment été inclus dans une exposition organisée par Simon Njami au Musée national de Yaoundé, au Cameroun.

Galerie Tafeta - Royaume-Uni
Niyi Olagunju, Baga Nimba Purple Chrome, 2020, Résine chromée, 138 × 46 × 60 cm. Gracieuseté de TAFETANiyi Olagunju, Baga Nimba Violet Chrome, 2020, Résine chromée, 138 x 46 x 60cm. Gracieuseté de TAFETA

Né au Nigéria en 1981, l'appropriation contemporaine par Niyi Olagunju des sculptures traditionnelles africaines poursuit son exploration du commerce mondial et, selon ses propres termes: «la marchandisation absolue de tout». Les sculptures, généralement exposées aux côtés de croquis préparatoires, sont coupées en deux verticalement et ont leurs surfaces internes apprêtées et revêtues de métaux extraits de la région dont elles sont originaires. Le projet remet en question le système de valeur qui conduit à la croissance continue de la vente d'artefacts traditionnels africains, qui, bien qu'à l'origine fabriqués et utilisés pour des fonctions traditionnelles spécifiques de longue date, sont désormais évalués en fonction de leur provenance et de leur rareté. L'utilisation par Olagunju de métaux précieux et semi-précieux tient compte des relations complexes qui émergent de l'exploitation des ressources naturelles sur le continent africain et de ses effets ultérieurs sur les communautés et leurs héritages culturels.

Artiste de studio pratiquant, le travail d'Olagunju a des expositions dans le monde entier. Ses œuvres résident dans plusieurs collections privées Afrique, Europe et Amérique. Récemment, les sculptures d'Olagunju ont été présentées dans le cadre de Get Up, Stand Up Now, Somerset House, Londres (2019); et KUBATANA, Vestfossen Kunstlabratorium, Oslo (2019). Son travail a récemment été acquis au TEFAF Maastricht 2020 par la Maison de l'histoire européenne à Bruxelles, en Belgique.

Guns and Rain - Afrique du Sud

Niyi Olagunju, Baga Nimba Purple Chrome, 2020, Résine chromée, 138 × 46 × 60 cm. Gracieuseté de TAFETA

Tuli Mekondjo, Edalo la Ngalangobe, La naissance de Ngalangobe, 2020, Technique mixte sur toile, transfert photo, collage, acrylique, grain de millet et résine sur toile, 118 x 88,3 cm. Gracieuseté de Guns & Rain

Née en 1982 à Kwanza-Sul, en Angola, Tuli Mekondjo vit et travaille à Windhoek, en Namibie. Explorant l'histoire et la politique identitaire à travers le prisme de ceux qui ont vécu en exil pendant la guerre d'indépendance de la Namibie, Tuli Mekondjo travaille avec des techniques mixtes superposées et texturées (broderie, collage, peinture, résine et grain de mil mahangu - un aliment de base namibien) et étend cela en performance. S'appuyant sur des archives photographiques et des histoires de changement, de perte et de soumission - en particulier lorsqu'il s'agit de femmes - elle oscille entre le passé et le présent. Les vignes botaniques sensibles rendent hommage à ses ancêtres, à la fertilité et à la continuité, tandis que des personnages ornés commentent la lutte sexuée, le traumatisme et le déplacement intergénérationnels, portant un chagrin tranquille et une quête de vérité.

Initialement encadré par le NJE Collective, Mekondjo a exposé depuis 2018 dans des expositions et des foires à Windhoek, au Cap, à Johannesburg, à Paris et à Londres. Sa plus récente exposition, The Borders of Memory, a eu lieu à Guns & Rain en avril 2020.

Ce n'est pas un cube blanc - Angola
Patrick Bongoy, Fragments, 2019, Caoutchouc recyclé sur planche de bois, 45 x 45 cm. Courtoisie Ce n'est pas un cube blancPatrick Bongoy, débris, 2019, Caoutchouc recyclé sur planche de bois, 45 x 45 cm. Courtoisie Ce n'est pas un cube blanc

Patrick Bongoy explore les thèmes de la migration, du déplacement et de l'énorme coût humain qu'implique la lutte pour les ressources naturelles. Bongoy produit ses œuvres à partir de bandes de caoutchouc recyclées, évoquant des récits sombres. Bien que résidant en Afrique du Sud, le travail de l'artiste se réfère continuellement à sa ville natale de Kinshasa et explore les grands thèmes de l'aliénation à travers la perte de la patrie, ainsi que la migration et les effets qui en résultent sur l'identité. En particulier, son travail examine les aspects spécifiques de la déshumanisation qui se produisent lorsque des peuples et des communautés entiers sont en proie à des récits historiques toxiques, des violations sociopolitiques et des environnements physiques qui se dégradent rapidement. Le travail de Bongoy a été exposé dans le monde entier.

Patrick Bongoy explore les thèmes de la migration, du déplacement et de l'énorme coût humain qu'implique la lutte pour les ressources naturelles. Bongoy produit ses œuvres à partir de bandes de caoutchouc recyclées, évoquant des récits sombres.

Berman Contemporary - Johannesburg
DuduBloom More, Aligning Unsettled Calm I, 2020, Fil de coton cousu à la main sur papier, avec l'aimable autorisation de Berman ContemporaryDuduBloom Plus, Aligner le calme instable I, 2020, Fil de coton cousu main sur papier. Gracieuseté de Berman Contemporary

Née en 1990 à Soweto, Johannesburg où elle vit et travaille, DuduBloom crée un travail qui explore ses angoisses et son identité de jeune femme africaine. La pratique de Duduzile (DuduBloom) More est expérimentale, utilisant la gravure, la photographie et les techniques mixtes pour produire des marques qui reflètent son angoisse. More est diplômée de Artist Proof Studio (APS), Johannesburg, en 2018 et a terminé sa 4e année en pratique professionnelle un an plus tard. Elle a participé à divers concours artistiques et son travail a été présenté dans plusieurs expositions collectives et foires d'art, dont la FNB Joburg Art Fair. En 2018, elle a été sélectionnée comme l'une des deux artistes femmes de l'APS pour effectuer une résidence d'artiste en Italie via l'APS et l'ambassade d'Italie. DuduBloom a récemment participé au programme RMB Talent Unlocked ainsi qu'à une résidence de co-création d'un mois avec Cheriese Dilrajh, organisée par The Project Space, Johannesburg. Elle a été lauréate du prix Cassirer Welz 2019, une résidence de 10 semaines organisée par The Bag Factory Artist Studios et Strauss & Co.Le corpus de travail créé pendant la résidence a abouti à une exposition personnelle en février 2020.

Sulger-Buel - Royaume-Uni
Adjani Okpu-Egbe, Guerre civile syrienne (triptyque), 2019, Technique mixte sur panneaux de porte en bois trouvés, 200 x 228 x 4 cm. Avec l'aimable autorisation de la Sulger-Buel GalleryAdjani Okpu-Egbe, Guerre civile syrienne (Triptyque), 2019, Technique mixte sur panneaux de porte en bois trouvés, 200 x 228 x 4cm. Avec l'aimable autorisation de la Sulger-Buel Gallery

Né en 1979 à Kumba au Cameroun, Adjani Okpu-Egbe vit et travaille à Londres, au Royaume-Uni. Utilisant un langage brut et expressif qui intègre un contenu autobiographique, les peintures d'Okpu-Egbe dévoilent un large éventail de thèmes complexes. Puisant dans de nombreux domaines et mouvements politiques tels que l'archéologie, le féminisme, l'histoire africaine et le panafricanisme, tous présents au sein du mouvement ambazonien du sud du Cameroun, Okpu-Egbe commente le système mondial de justice sociale.

Les expositions les plus remarquables d'Okpu-Egbe incluent, Regarding Africa: Contemporary Art and Afro-Futurism organisée par Ruth Direktor au Tel Aviv Museum of Art, Israël en 2016 et The Underdog, une présentation solo à l'édition 2014 du 1-54 Contemporary African Art Fair, Londres. En 2012, Okpu-Egbe faisait partie des artistes mandatés à l'échelle nationale par la BBC pour interpréter le Queen's Thames Diamond Jubilee Pageant, faisant de lui le premier artiste africain à participer officiellement à un tel événement.

Art africain signature - Royaume-Uni
Giggs Kgole, Boshielo, 2020, Anaglyphe, huile, acrylique, collage de tissus et techniques mixtes sur toile, 230 x 150 cm. Gracieuseté de Signature African Art GalleryGiggs Kgole, Boshielo, 2020, Anaglyphe, huile, acrylique, collage de tissus et techniques mixtes sur toile, 230 x 150cm. Gracieuseté de Signature African Art Gallery

Fondée en 1992 par Rahman Akar, Signature African Art se spécialise dans l'art africain contemporain et historique avec des espaces à Lagos et à Londres. Parallèlement à deux expositions du même titre, l'une dans leur espace londonien et l'autre à Los Angeles, la galerie présente SayMy Name au 1-54, une sélection d'œuvres organisée par Khalil Akar et présentée par Ava DuVernay. Say My Name résonne avec le mouvement Black Lives Matter à travers de nouvelles œuvres qui célèbrent des personnalités et des moments influents de l'histoire des Noirs au Royaume-Uni et aux États-Unis. Les artistes présentés incluent Moufouli Bello (Bénin), Dandelion Eghosa (Nigéria), Giggs Kgole (Afrique du Sud), Djakou Nathalie (Cameroun), Demola Ogunajo (Nigéria), Ayanfe Olarinde (Nigéria) et Dennis Osakue (Nigéria). Signature African Art fera don de 40% des bénéfices de Say My Name au Law Enforcement Accountability Project (LEAP) d'Ava DuVernay. LEAP est un fonds axé sur la narration d'histoires d'abus et de violence policières à travers diverses formes d'art narratif et commande des projets dans plusieurs disciplines, notamment le cinéma, la littérature, la poésie, le théâtre, la danse, les beaux-arts et la musique.

The Photographic Collective - Royaume-Uni
Pippa Hetherington, Clay # 2, de la série 'Cuttings 1820-2020', 2020. © Pippa HetheringtonPippa Hetherington, Argile n ° 2, de la série 'Cuttings 1820-2020', 2020. © Pippa Hetherington

Pippa Hetherington, née en 1971, est une photographe sud-africaine qui a travaillé comme photojournaliste indépendante avec un accent sur les droits de l'homme.

«Cuttings 1820-2020» est construit autour des thèmes de la famille, de la mémoire culturelle, du déplacement et de la perte, explorant la difficulté de démêler nos histoires communes. Textiles, vêtements et portraits photographiques sont mis en conversation les uns avec les autres, forgeant ainsi de nouvelles identités et configurations. Pivotant sur la relation entre les descendantes de la nation Xhosa du Cap oriental et les colons britanniques de 1820 en Afrique du Sud, cette exposition en collaboration avec le Projet artistique Keiskamma incorpore la couture, la broderie, l'assemblage, la vidéo et la photographie. Dans le processus, il nous relie également au féminin, et en particulier aux identités féminines fortes si souvent négligées dans la narration historique. Les tissus sensuels créent une tapisserie de nouvelles relations, nous rapprochant de ce que nous avons perdu, mais aussi de ce qui peut être recréé, nous liant simultanément au passé, au présent et au futur de notre pays.

Loft Art Gallery - Maroc
Joana Choumali, Yugen, série Albahian, 2020, 50 X 50 cm. Courtesy Loft Art GalleryJoana Choumali, Yugen, Série Albahian, 2020, 50 x 50cm. Courtesy Loft Art Gallery

Née en 1974 à Abidjan, en Côte d'Ivoire où elle vit et travaille, Joana Choumali travaille principalement avec le portrait conceptuel, les techniques mixtes et les formes documentaires. Elle utilise son travail comme un moyen d'explorer les identités complexes de ceux qui l'entourent. Avec un focus thématique sur le continent africain, son travail vise à bouleverser les idées préconçues erronées d'une identité homogène à l'échelle du continent. Choumali se préoccupe également des questions de genre et du supposé binaire entre tradition et modernité. Dans sa série Ça va aller .., elle exprime le traumatisme et la souffrance psychologique endurés par les habitants de Bassam après les attentats terroristes de mars 2016.

Choumali est lauréate 2019 du Prix Pictet. Les expositions récentes incluent Welcome Home, Musée d'Art Contemporain Africain Al Maaden (MACAAL), Marrakech (2019); Afrotopia, Biennale Internationale de la Photographie Africaine de Bamako, Bamako (2017); Africa Forecast, Spelman College Museum of Fine Art, Atlanta; Persona, the social mask, Les Rencontres d'Arles and We the People, Biennale Internationale d'Art Contemporain de Casablanca, Casablanca (2016).