Juin 2007

Art South Africa Volume 5: Numéro 04

Pierre Fouché; Lawrence Lemoana; Sacs Ruth


EXORCISME ÉMOTIONNEL
PIERRE FOUCHÉ S'ENGAGE EN PARTIE AVEC DES QUESTIONS DE SEXUALITÉ MAIS NE VEUT PAS QUE SON TRAVAIL SOIT MARQUÉ POUR UN PUBLIC SPÉCIFIQUE, ÉCRIT KIM GURNEY.
gauche droite Pierre Fouché, La distance entre nous I, 2003, acrylique et stylo sur puzzle en carton retrouvé, 135 x 195cm;
Pierre Fouché, La distance entre nous III, 2006, toile 13 fils, fil de coton 9 fils, stylo, crayon, marqueur, 105 x 107 cm.

J'ai rencontré Pierre Fouché pour la première fois l'année dernière lors d'une soirée open studios à Greatmore à Woodstock, au Cap. Il créait une petite tapisserie, tissant laborieusement des fils sur un métier à tisser auto-construit. Un autre visiteur curieux s'est déclaré plus intrigué par le revers de l'œuvre, avec ses toiles d'araignées de fils entrelacés, qu'avec l'image de surface nette et bien rangée. Son observation astucieuse est au cœur du travail de cette artiste, qui consiste essentiellement à saper la fixité de la façon dont nous choisissons de voir le monde - en particulier, le faux sentiment d'assurance que la photographie de portrait domestique véhicule.
L'exploration de l'artiste dépasse cependant l'auto-absorption. Fouché déforme le sujet personnel pour faire un point politique. Il expose le ventre des relations que nous préférons effacer de mémoire au profit d'un ensemble cohésif blanchi à la chaux. Et il parvient à le faire de manière plutôt clandestine: l'un de ses récents portraits de lui et de son petit ami est maintenant apparemment accroché dans un restaurant familial à Londres - à la grande satisfaction de l'artiste.
Cette œuvre fait partie de son dernier solo à Bell-Roberts, La distance entre nous. Fouché a manipulé numériquement des portraits quotidiens de lui-même et de ses proches en modèles qui ont servi de modèles, puis traduits par un travail d'amour teinté de folie en des œuvres créées de manière obsessionnelle comprenant des milliers de dés, des pièces de puzzle ou des fils entrelacés. L'effet net est une subversion décalée de la normativité: une image à la fois familière et dérangeante. Son esthétique artisanale contredit également un goût contemporain pour les objets fabriqués en série, le travail externalisé et une culture de commodité générale - peut-être en même temps en exploitant une contre-tendance croissante opposée à ces mêmes notions.
Fouché est conscient que les systèmes de production rigoureux auxquels il soumet ses œuvres sont, comme des instantanés, une autre tentative de recadrer la réalité dans des packages bien gérés. Ces stratégies échouent inévitablement à un moment donné ou révèlent une faiblesse inhérente à leurs formules imposées artificiellement. Ces bizarreries sont acceptées dans le cadre de la lecture de l'œuvre d'art - comme l'a découvert le spectateur de Greatmore des fils en désordre. Fouché ajoute: «C'est presque comme si les œuvres portaient les cicatrices de leur création forcée.»
"J'AIME TRAVAILLER AVEC DES MATÉRIAUX LIÉS AU GENRE,
ET JOUER MA PROPRE PLACE DANS CELA ... JUSTE POUR MESSER UN PEU. "
Sa dernière pièce, réalisée dans le cadre de l'événement marginal de CAPE 07, a étendu cet engagement avec des instantanés au domaine de la performance. Il a transformé son studio de l'Observatoire en une scène impromptue tout en prononçant les mots sur une chaîne de chansons angoissées sur le désir, l'amour et la perte - des thèmes qui reviennent dans son travail. Selon l'artiste, les chansons pop fonctionnent comme des instantanés mais de manière plus viscérale. Une grande partie de sa production créative semble être une sorte d'exorcisme émotionnel similaire.
Fouché aborde en partie les questions de sexualité mais ne veut pas que son travail soit étiqueté pour un public spécifique: «J'essaie vraiment de remettre en question toutes sortes de catégorisation… Il n'y a jamais un cas où l'étiquetage s'intègre parfaitement; il y a toujours un individu qui ne correspond pas et dans un sens, nous sommes tous ces individus. »
Il convient donc que Fouché ait tendance à privilégier les médiums souvent associés à la féminité; il est occupé à passer au crochet. «J'aime travailler avec du matériel traditionnellement lié au genre», dit-il, «et prendre ma place là-dedans… juste pour gâcher un peu.» Il ajoute: «La culture populaire des années 90 avait une si belle promesse d'ambiguïté dans la mesure où les hommes étaient représentés dans des rôles beaucoup plus féminisés et inversés… Mais il semble que nous revenions à des rôles de genre plus hyper, plus traditionnels, où les hommes devraient être les «vrais» hommes encore, peut-être à la suite d'une crise de la masculinité, au lieu de simplement embrasser l'égalité. C'est triste et effrayant de voir même au sein de la communauté gay à quel point il y a soudainement une telle homophobie intériorisée. »
En mars, l'artiste avait déjà une année bien remplie qui comprenait la suspension d'une œuvre de tapisserie à l'ABSA, la participation à une exposition de groupe du Festival du Cap et le travail sur une commande privée avec des vues sur une exposition de fin d'année 2008. Il a récemment abandonné l'enseignement supérieur l'enseignement - au College of Cape Town - pour se consacrer à plein temps à la création artistique.
Kim Gurney est une rédactrice indépendante et rédactrice en chef basée à Cape Town, Art South Africa.

À propos de Pierre Fouché: Né en 1978, Fouché a terminé l'année dernière une maîtrise en beaux-arts (avec distinction) à l'Université de Stellenbosch. Sa production couvre un certain nombre de supports distinctifs, y compris des matériaux de broderie, des crayons, du papier kraft et des objets trouvés recontextualisés (le plus mémorable, 6000 dés de résine), "Son travail est auto-réfléchissant et silencieux et très, très laborieux", observe un historien de l'art Lize van Robbroeck. La distance entre nous (2006), sa plus récente exposition solo, tenue à Bell-Roberts Contemporary, a suivi son exposition personnelle de 2005, Exclus et non déclaré. Il a participé à de nombreuses expositions collectives, dont Festival de sculpture publique du district six (1997), Softserve (1999), Festival Sex & Kultuur Queer Arts (2004) et Le papier ne ment jamais complète au niveau des unités (2005).


HAUT ET SOUS
LES BALLES DE RUGBY BRODÉES DE LAWRENCE LEMAOANA ET LES PHOTOMONTAGES FANTASTIQUES OFFRENT PLUS QUE DE JUSTES COMMENTAIRES IRONIQUES SUR LE SPORT DE L'HOMME BLANC. PAR SEAN O'TOOLE.
gauche droite Lawrence Lemaoana, Celui, 2006, impression numérique sur toile, 42 x 29.7 cm; Lawrence Lemaoana, Hiérachie de couleur, 2006,
impression numérique sur toile, 84 x 118.8 cm.

Après mon entretien avec Lawrence Lemaoana, j'ai dû chercher un mot dont je n'étais pas sûr. "Le rugby est vraiment un sport inculturé", a-t-il remarqué avec un accent de banlieue vaguement nordique - il s'avère qu'il est allé au lycée de Highlands North. Le Web n'était peut-être pas le bon endroit pour chercher une réponse, mais les dictionnaires que j'avais consultés n'étaient pas vraiment utiles: la plupart des entrées pour l'enculturation lisaient «voir la socialisation». J'ai finalement abandonné quand je me suis retrouvé sur un site chrétien fondamentaliste où Dieu et Noam Chomsky étaient cités pour expliquer comment les normes sociales sont dévolues aux jeunes enfants. Il s'est avéré que Lemaoana avait été très clair: «Le rugby est comme une religion.»
Il est peut-être inhabituel que Lemaoana travaille sur le rugby. Insolite car ici, nous avons un jeune homme noir articulé intéressé à produire des déclarations ironiques et sournoises - en utilisant du photomontage et des tissus parfois décorés - pour commenter votre sport préféré des Whiteys. «Dans le monde de l'art, je suis confronté à des pressions pour produire certains types d'œuvres», réplique-t-il franchement. "Souvent, on me demande de faire des aquarelles, des cabanes et quoi." Il pousse un rire sournois. "Alors je présente ceci."
Les questions de permissivité mises à part, son intérêt pour le rugby n'est pas entièrement dépourvu de résonances autobiographiques. «J'ai joué au rugby provincial pendant un certain temps, pour Highlands North, Soweto, puis à mon plus haut niveau pour les Gauteng Lions u / 18 lors de la Craven Week 2000», explique-t-il. "J'ai joué le flanc."
Bien que perdant lentement son image élitiste (blanche), le rugby est encore gâché par de nombreux problèmes alors qu'il pénètre dans le présent non racial. Jouant à un niveau compétitif, il était inévitable que Lemaoana se retrouve entraîné dans la realpolitik du sport. Utiliser son travail Hiérarchie des couleurs (2006) comme référence, il rappelle une lettre contenant les noms des joueurs sélectionnés pour les Lions. Certains des noms étaient marqués d'un astérisque.
«Ça a fonctionné pour tous les noirs», précise-t-il. «En bas, la lettre expliquait le quota de joueurs noirs requis. Cela m'a fait me remettre en question. Si nous sommes les joueurs de couleur, quels sont les autres gars? Comment s'appellent-ils? Dans quelle catégorie appartiennent-ils? À l'époque, ce n'était pas un problème sensible, je voulais juste jouer, mais quand j'ai commencé à faire mon art, j'ai remis en question ces problèmes. »
Ce n'est pas seulement le sport qui informe la pratique de Lemaoana. Ses photomontages aux couleurs exubérantes et ses œuvres en tissu font également oublier la masculinité exagérée de l'Afrique du Sud tout en exprimant un intérêt pour la décoration et la décoration. «La plupart de mon travail est en couches», dit-il à propos des photomontages. "Vous avez peut-être quatre couches différentes qui ont été réduites." En plus de photographier des amis et des scènes de paysage à Mpumalanga, il lève également des images sur Internet, des magazines botaniques et des tissus Shangaan. Le résultat, dans ses photomontages, est «un paysage fictif, un espace onirique, un espace construit».
Quand je soulève un point que son travail pourrait sembler vaguement kitsch, il sourit simplement. Elle me montre son travail La discussion (2005), un camp refaçonnant la fresque murale de Da Vinci La Dernière Cène. Il lui a valu le prix Gerard Sekoto d'Absa L'Atelier en 2005. "Si vous allez dans n'importe quelle maison de Soweto, vous trouverez l'image Da Vinci." Négociant le «changement de décor entre Soweto et la ville» - une déclaration expansive latente de possibilités - il a décidé de revisiter cette image. Le résultat rappelle Yinka Shonibare filtré à travers la lentille d'un Tretchikoff catholique. D'une manière ou d'une autre, cela fonctionne
Compte tenu de son commentaire pointu sur le rugby et son inélégance aux prises avec la question de la race, je lui demande ce que cela fait de gagner un prix d'art très consciemment conçu pour remédier à un déséquilibre des quotas dans l'art sud-africain. "Ça ne vous a pas fait sentir comme un joueur de couleur?" Je demande, en utilisant le titre de son exposition de l'Alliance Française comme point de référence.
«Pour moi, c'était juste une autre façon de créer des catégories spéciales», dit-il. «Il est tellement lié au rugby. La ligne standard [en rugby] était la suivante: «Vous avez des gens qui font cela depuis de nombreuses années, des générations et des générations. Notre argument était: «Qu'en est-il du talent?». Je plaisante en disant qu'il est peut-être temps que les artistes noirs commencent à participer à des compétitions sous prétexte d'être blancs - un raffinement, si vous voulez, d'artistes blancs faisant l'inverse, Wayne Barker / Andrew Moletsi et , avec moins de charme, Beezy Bailey / Joyce Ntobe
"Peut-être," glousse-t-il. "Vous devez constamment négocier votre chemin."

À propos de Lawrence Lemaoana: Né à Johannesburg (1982), Lemaoana a vécu à Welkom avant de retourner à Johannesburg pour terminer ses études. Diplômé du Technikon de Witwatersrand, où il a obtenu un Diplôme National des Beaux-Arts (2003), il a remporté le Prix Absa L'Atelier Gerard Sekoto 2005. Actuellement inscrit à l'Université de Johannesburg où il termine actuellement ses études en vue d'un diplôme, Lemaoana présentera une exposition de nouveaux travaux à la galerie ABSA de Johannesburg en juin. Une exposition itinérante organisée par l'Alliance Française se tiendra à Johannesburg (19 juillet - 9 août) et à Pretoria (16 août - 6 septembre).


QUE FAIT RUTH ENCORE?
APRÈS AVOIR GAGNÉ UN GRAND CONCOURS DERNIÈRE ANNÉE, DES SACS RUTH ONT JETÉ AUX ÎLES CANARIES, PUIS PAS LONGTEMPS APRÈS PARIS. ELLE PARLE DE SEAN O'TOOLE À PROPOS DE SA PROCHAINE GRANDE ÉTAPE: LA BIENNALE DE VENISE.

Ruth Sacks, Pour Vous, 2007, carton ondulé découpé, dimensions variables, gros plan d'installation au SMAC, Stellenbosch.

Ça a été une année fulgurante et un peu pour Ruth Sacks. Après avoir remporté l'Absa L'Atelier 2006, elle s'est envolée pour les îles Canaries à la fin de l'année dernière pour installer une œuvre sur la Biennale inaugurale des Canaries. Peu de temps après, elle se retrouve à Paris, à la Cité Internationale des Arts de Paris, où elle est actuellement en résidence de six mois. Pour couronner le tout, la documentation de Pas de panique (2005), son installation skywrite d'une légèreté charmante mais affirmant massivement, est exposée à la Biennale de Venise de cette année. L'œuvre, qui fait partie de la Collection africaine d'art contemporain Sindika Dokolo, a été organisée dans l'exposition de groupe de Fernando Alvim et Simon Njami Liste, exposée dans le pavillon africain. Dans un pays sujet au syndrome du grand coquelicot, les réalisations de Sacks ont provoqué une médisance jalouse. Art Afrique du Sud recontextualisé certaines de ces barbes, en les formulant comme des questions. La réponse de Sacks offre une élaboration lucide de sa pratique.
Des travaux récents comme Pas de panique (2005) et Clair de lune artificiel (2006) sont très éphémères, par opposition à non substantielles. Ce dernier me rappelle le travail de Martin Creed No.227: Les lumières s'allument et s'éteignent (2000), que j'ai vu installé à la Biennale de Berlin l'année dernière, Of Mice and Men, organisée par Maurizio Cattelan. Je mentionne cela pour une raison. Votre pratique semble partager certaines affinités avec leurs deux stratégies conceptuelles. D 'accord en désaccord?
Je suis d'accord en ce qui concerne des œuvres spécifiques, mais pas leurs stratégies globales telles que je les comprends. Mais j'aime leur sens de l'humour. Le message ambigu de l'intervention publique de Creed Tout ira bien (Londres, 2002) me fait toujours sourire. je pense Pas de panique reprend à ce sujet. Quand j'ai commencé ce travail, j'ai beaucoup regardé le travail de Cattelan des années 1990 (en particulier Un autre putain prêt à l'emploi depuis 1996) mais plus tant que ça. Avec Clair de lune artificiel, mon intervention était spécifique au site, par opposition aux lampes gagnantes du prix Turner de Creed qui peuvent être placées dans différents contextes. Lorsque j'ai attaché des lumières très puissantes et rotatives au bâtiment de la galerie Los Lavaderos à Tenerife, je faisais référence à l'histoire de ce dernier. Il y a une longue tradition d'un festival organisé chaque année sur ce site pour la Vierge de Fatima qui devrait se révéler à trois enfants à travers un spectacle de lumière surnaturel. De plus, conformément au thème central de la biennale, la pièce a pris le plus grand contexte de la situation politique des Canaries en verrouillant les portes de la galerie dès que les lumières se sont allumées. Les faisceaux de lumière se déplaçaient comme des projecteurs, mais donnaient également l'impression d'une sorte d'événement annoncé. Lorsque les gens sont venus voir ce qui se passait, l'accès à l'intérieur du bâtiment a été interdit.
Dans le même ordre d'idées, vous avez mentionné précédemment (par correspondance) que vous vous concentrez généralement «sur des aspects de ma vie personnelle, en particulier les insécurités, que j'essaie de communiquer à travers divers médias». Doreen Southwood a poursuivi une stratégie similaire, que certains de vos détracteurs ont reprise. Êtes-vous un admirateur de son travail?
J'aimerais savoir de quels critiques vous parlez ici. Mais j'aime les premiers travaux de Doreen, en particulier Le plongeur (2003) et Trophées flottants (2002). J'aime le fait que nous partageons parfois des envies similaires d'exprimer des tendances névrotiques alors que notre esthétique mutuelle et nos mécanismes de production sont très différents. Pour moi, il semble courageux qu'elle affiche tant de choses sur sa vie personnelle dans un morceau comme Trophées flottants. Dans mon propre travail, j'ai tendance à utiliser des leurres visuels pour essayer de masquer les détails intimes directs.
Une critique de Pas de panique c'est que tout a déjà été fait auparavant: James Turrel, Sam Francis et Marinus Boezem. Personnellement, je n'accorde pas beaucoup d'importance au fait que parce que quelqu'un d'autre a fait quelque chose, il est désormais propriétaire. La création artistique serait beaucoup moins aisée si une vision aussi étroite de la créativité devenait une orthodoxie. Mais quelles étaient vos intentions lorsque vous avez fait ce travail? Et comment réagissez-vous à l'attitude «tout voir avant» exprimée par certains par rapport à votre travail?
Yves Klein serait ennuyé de ne pas être mentionné dans cette liste. L'homme était convaincu qu'il avait signé l'arrière du ciel dans un voyage imaginaire et a dit qu'il détestait les oiseaux parce qu'ils faisaient des trous dans ce qu'il croyait être sa plus grande œuvre d'art. Je pense qu'il serait vraiment difficile de faire un travail si les artistes n'étaient pas autorisés à expérimenter avec des médiums déjà utilisés. Des traditions entières de peinture à l'huile, de sculpture sur bois, etc., devraient être rejetées. Ce serait dommage.
Similaire à Pas de panique, ton travail Pour Vous (2007) utilise du texte pour communiquer une idée ou une pensée. Contrairement à l'œuvre précédente, il s'agit bien d'un objet existant dans l'espace, d'une sculpture si vous voulez. Pouvez-vous nous parler de la relation entre les deux œuvres, ainsi que de votre motivation pour réaliser ces dernières?
Le mot «DÉSOLÉ» est délibérément absent sur l'étiquette afin que le spectateur doive travailler un peu plus dur et marcher autour de piles de lettres en carton de deux mètres de haut afin de comprendre ce qu'elles épelent à partir de la forme des formulaires et des renversés. «R» s. L'idée était qu'un environnement dans lequel le mot «désolé» est répété maintes et maintes fois est un environnement qui semble maladroit et maladroit. Les excuses expliquent donc la présentation de mauvaise qualité ainsi que le manque de lisibilité.
J'aime utiliser des morceaux de texte parce que la façon dont je travaille repose sur le support textuel sous une forme ou une autre. Mon processus avec ces œuvres est celui que j'ai souvent appliqué par lequel je me réfère à ma collection personnelle de phrases. Ceux-ci sont tirés d'autres œuvres d'art, romans, publicités, graffitis, conversations et chansons pop. Dans les exemples de Pour Vous et Pas de panique, Je suis tombé sur un média que je pensais convenir à un contexte spécifique, puis j'ai parcouru ma liste afin de trouver les mots appropriés qui étaient applicables.
Votre exposition SMAC comprenait une installation, selon vos mots, «conçue pour donner l'impression que 2.5 ans de travail y avaient été effectués». J'ai souri en voyant deux livres de Walter Benjamin, tous les deux que je possède, dont un que j'ai partiellement lu, l'autre simplement un gros serre-livre (pour l'instant). Alors, tu as lu Benjamin? Et lequel des livres que vous n'avez pas lus mais affichés sur l'étagère liriez-vous en premier? Pourquoi?
J'ai lu Benjamin et l'ai référencé dans ma thèse de maîtrise réelle avec une conscience claire. Je ne prétends pas avoir traversé tout Projet Arcades, bien que. Avec être actuellement à Paris et tout, ce serait le numéro un sur ma liste de souhaits de lecture. J'ai également tenté de parcourir les livres d'occasion à l'intérieur des fausses couvertures qui composent cette pièce. J'espère que je me souviens bien ici, mais je pense que les fausses couvertures de Walter Benjamin dissimulaient un annuel illustré d'un garçon et aussi un roman vraiment trash avec une dame plantureuse en détresse sur la couverture.
La pièce sur SMAC n'était que la bibliothèque d'une grande installation dans laquelle j'ai fait un faux studio qui présentait consciemment l'illusion de représenter tout le travail que j'avais fait au cours des 2.5 dernières années. Il y avait aussi beaucoup d'accomplissement fantastique. Par exemple, j'ai inclus des photos truquées de personnes que j'aurais aimé être mes amis sur le tableau d'affichage (comme Richard Prince).
Deux questions connexes, auxquelles j'espère que vous répondrez spontanément. Est-ce une remarque garce sur Artheat blesser? Et quelle est la différence entre une mauvaise critique et une mauvaise publicité?
Les commentaires de garce font toujours mal. Qu'ils soient livrés dans la cour de l'école, un cocktail ou un blog, c'est leur point. Je crois qu'ils en disent plus sur les gens qui les fabriquent que sur le sujet de la conversation. Pour cette raison, je ne lis pas Artheat beaucoup et quand je le fais, j'évite les sections de commentaires. J'ai cette politique depuis qu'elle a commencé à devenir méchante. Si quelqu'un n'est pas prêt à mettre son nom sur une déclaration, ou à maintenir une sorte d'identité anonyme fixe, alors tout le plaisir n'est plus d'avoir un beau grand combat artistique à ce sujet. D'un autre côté, si une critique est bien documentée et rédigée par quelqu'un dont je respecte le travail, je la prends au sérieux. Mauvais ou bon.

À propos de Ruth Sacks: née à Port Elizabeth (1977), Sacks a obtenu un baccalauréat spécialisé en beaux-arts de l'Université du Cap (1999), où elle lit actuellement pour une maîtrise en beaux-arts à la Michaelis School of Fine Art. Elle a présenté deux expositions personnelles à la João Ferriera Gallery, Quand l'intérieur reste à l'intérieur (2005) et Fonctionne en cire et en plastique (2003). Elle a participé à de nombreuses expositions de groupe, dont GIMBERG / NERF / SACS / JEUNES (2007) au SMAC, Liste 06: La jeune foire d'art de Bâle (2006) à Bâle, et Liste de vérification (2007), dans le cadre de la Biennale de Venise 2007. Elle a été sélectionnée pour participer à une résidence de trois mois au iaab International Exchange and Studio Program, à Bâle.