Mars 2005

Art South Africa Volume 3: Numéro 03
Nandi Mntambo; Dineo Seshee Bopape; Stefanus Rademeyer; Langa Magwa; Jacki McInnes


HIRSUTE DIVAS

Nandi Mntambo, Idle, 2004, peau de vache, fibre de verre, résine et acier, 900 x 470 x 590 mm.

Les sculpteurs émergents qui inversent la tendance actuelle à l'installation et aux nouveaux médias de pointe doivent encore garder un pied assez fermement dans le camp d'avant-garde pour rester sur le radar du monde de l'art contemporain. Nandi Mntambo, qui a obtenu son diplôme l'an dernier à la Michaelis School of Fine Art de l'UCT, a réussi cet équilibre avec aplomb. Les spectacles pour diplômés sont traditionnellement peignés par des talent-spotters et Mntambo a été choisi l'année dernière. Son travail a transmis un fort impact visuel, des compétences techniques et une profondeur conceptuelle ainsi que son médium saisissant.
Mntambo a moulé des moulages partiels de figures féminines en peaux de vache, qui ont été inspirées par un rêve et choisies pour leurs multiples associations culturelles. La proposition absurde mais réussie de figures féminines sensuelles couvertes de cheveux longs était à la fois attrayante et répugnante. Au centre, une femme accroupie à quatre pattes. Une série de cinq personnages pendait comme des vêtements dans une armoire et un torse au mur. Trois paires de jambes croisées étaient assises sur des chaises hautes pour commenter l'interaction féminine.
Mntambo dit: «Il s'agit de la façon dont les femmes sont« censées »se comporter l'une envers l'autre. Beaucoup de gens préfèrent garder le silence ou regarder à distance parce que c'est plus sûr… Cela remet également en question les stéréotypes sur ce à quoi les femmes devraient ressembler - la femme ou la petite amie velue. C'est à la fois dérangeant et sexy. »
Son travail en dit long sur son caractère. C'est engageant, drôle, stimulant, subversif et décalé. «Je ne suis pas précieux dans mon travail. C'est facile d'arrêter et de recommencer », dit-elle.
Mntambo s'intéresse également à la façon dont les perspectives sont influencées par l'histoire perçue. Cette année, elle étudiera en vue d'une maîtrise en beaux-arts tout en recherchant le rôle des femmes noires dans l'histoire de l'art sud-africain. À ce rythme, elle fera très probablement partie de ce même canon.

Kim Gurney est journaliste indépendante et rédactrice en chef du Cap occidental d'ArtThrob.


TAMISER À TRAVERS LA RUBBLE

Dineo Bopape, Grandir tous les jours, 2004, installation sur support mixte, dimensions variables.

Dineo Bopape a récemment terminé son baccalauréat en technologie au département des beaux-arts de l'Institut de technologie de Durban (DIT) et est l'un des artistes les plus prometteurs à avoir émergé de cette institution ces dernières années. Spécialisé en sculpture, Bopape est un jeune artiste polyvalent et articulé à la maison travaillant dans l'installation et la vidéo. Elle doit participer à deux expositions notables en 2005: le NSA Young Artist's Project et une exposition organisée par Kathryn Smith pour le Klein Karoo Arts Festival 2005.
Une grande partie de la pratique de Bopape jusqu'à présent concerne sa collecte obsessionnelle et son emballage de choses pour la plupart insignifiantes. Sa collecte névrotique, sa conservation et son archivage obsolète deviennent une enquête sur le non-dit et le refoulé, une métaphore de l'histoire et de l'expérience vécues. Le résultat physique de sa thésaurisation et de son désordre intérieur non structuré est des structures lâches, suintantes et souples qui tiennent à peine.
Pour son spectacle de dernière année, Bopape a présenté une installation dans un espace de vente au détail vide situé dans un centre commercial du quartier central des affaires de Durban.

Dineo Bopape, sécréter), 2004, installation sur support mixte, dimensions variables.


L'espace était dominé par une structure en forme de tente à moitié effondrée remplie de masses de sacs en plastique scellés, de papiers, de notes, de ballons et de «secrets». Recueillies auprès du public, les œuvres ont été cousues dans des poches, épinglées, repliées et éparpillées.

L'une des œuvres en deux dimensions exposées montre des images pornographiques hardcore juxtaposées sans détour de femmes noires et des organes génitaux avec des images de restauration rapide brillantes. Un travail courageux et choquant, il s'est avéré inhabituellement franc étant donné le contexte plus large dans lequel l'imagerie des corps d'une femme noire est un terrain si contesté.
«Mon travail s'est développé à partir d'une expression paranoïaque de tracer des frontières entre des choses privées et des choses publiques, et une garde obsessionnelle de ces choses», explique Bopape. «Cependant, ce processus conduit invariablement à l'étouffement. L'histoire est un bagage que nous portons et souvent c'est aussi un fardeau auquel nous ne pouvons pas échapper. Je m'intéresse à révéler le grotesque, le décalé et le dégoûtant dans le banal, afin de révéler aussi les secrets (le non-dit / sans mentions) dans des espaces intimes et apparemment publics / privés.

Storm Janse van Rensburg.


OBJETS ANTI-MASS PRODUCTION

Stefanus Rademeyer, Fissure, 2004, contreplaqué stratifié, 100 x 185 x 37,5 cm.

La marque singulière de sculpture de Stefanus Rademeyer est entrée dans le domaine public à l'improviste. Reconstructions différées (1999) et Reconstructions mimétiques (2000) existent néanmoins comme des exemples fondamentaux d'un art toujours aussi subtilement éclectique. S'appuyant sur des influences aussi diverses que la musique électronique de champ gauche, l'architecture minimaliste, la philosophie poststructuraliste et les métaphores systémiques, l'art de Rademeyer est un agrégat inhabituel composé de nombreuses parties. Cela dit, il est préférable de garder la référence à ses influences au strict minimum. Après tout, Rademeyer est avant tout un art conceptuel où les objets sont méticuleusement rénovés, reconstruits ou - comme le suggèrent les titres de ses premiers travaux - reconstruits. Les surfaces séduisantes de Rademeyer sont rarement destinées à présenter une copie ou une illusion. Lorsqu'il recrée un objet, c'est à travers un processus de travail parsemé d'un certain nombre d'obstacles intentionnels. Et s'il dit clairement «je crée des structures, les soumets à diverses contraintes, puis cartographie soigneusement les mutations émergentes», c'est une façon d'expliquer que ses reconstitutions sont marquées par une perturbation calculée qui perturbe les cellules composites du système .
Les résultats sont surprenants. Les matériaux deviennent étrangers à leurs propriétés tacites. Les masses solides sont remuées dans des états semi-fluides. Une cathédrale virtuelle devient une apparition semblable à un dragon dans une séquence animée en 3D surplombant une version en acier soudé d'elle-même (en Reconstructions différées). Parallèlement, des caissons lumineux équipés de miroirs rompent la cohérence des jeux de symboles graphiques en les multipliant à l'infini. Face à l'une de ces pièces, le spectateur rencontre un champ visuel sans fin, se transformant sinueusement en motifs imprévisibles. Une autre pièce d'animation de 2001, Tabula Rasa, met en mouvement ces schémas d'agglutination.
Dans les travaux les plus ambitieux de Rademeyer à ce jour, les pièces massives de parquet présentées dans le cadre de profondeur de surface (Warren Siebrits Modern and Contemporary Art, 2004), les visages finement segmentés de ses sculptures en bois vibrent d'une complexité optique qui rivalise avec et défie leurs propriétés matérielles.
RADEMEYER STEFANUS EN CONVERSATION AVEC FRIKKIE EKSTEEN
FE Il est difficile de décider si vos pièces lumineuses sont des sculptures ou des dessins lumineux. Ils ne «déplacent pas» l'espace comme le font les sculptures conventionnelles et semblent plutôt créer un nouveau type d'espace illusionniste là où il n'y en a pas. De même, vous avez parfois fait référence aux pièces monumentales sur profondeur de surface comme écrans. Les principes ou préoccupations illusionnistes à deux dimensions sont-ils un aspect important du travail?
SR Il y a des préoccupations précises avec la dimensionnalité dans mon travail. Il est cependant très différent de «l'illusionnisme» comme on le voit dans la peinture traditionnelle, où la toile devient une fenêtre sur le monde. Je m'intéresse davantage aux notions mathématiques de dimensionnalité. Par exemple, comment les propriétés d'un objet tridimensionnel peuvent être décrites en termes de surface bidimensionnelle, ou comment un objet hypothétique à quatre dimensions peut être cartographié en trois dimensions.
FE Vous vous êtes décrit en plaisantant comme un «structuraliste» dans l'une de nos conversations. Je sais que votre processus de travail consiste essentiellement à examiner les structures - qu'elles soient philosophiques, architecturales ou esthétiques - mais vous avez également mentionné l'électronique d'avant-garde comme une influence proéminente. La réflexion sur les structures musicales informe-t-elle le travail d'une manière apparente?
SR Je m'intéresse à la notion de «nouveauté» - découverte et création, par opposition à la représentation. Je pense aussi que la musique d'avant-garde explore des possibilités expressives vraiment pionnières. La flexibilité du support sonore permet de construire et de déconstruire des structures extrêmement complexes, voire fictives. Mais mon intérêt pour la relation entre l'art visuel et le son n'est pas seulement de traduire le son en image. Il s'agit davantage de regarder les motivations opérationnelles des musiciens ainsi que le potentiel physique du médium et de l'appliquer à ma méthode de travail théorique et esthétique.
FE Voyant que les pièces de plancher créées pour profondeur de surface étaient le résultat d'un énorme effort pratique, pensez-vous que le temps investi dans la création d'une œuvre d'art est en quelque sorte déduit par le spectateur?
SR Le temps investi dans l'œuvre témoigne d'un intérêt personnel pour le sublime. Pour moi, une expression qui ne peut être quantifiée ou approchée - qui échappe en quelque sorte à la compréhension - peut être appelée sublime. C'est une invocation de l'infini. L'un des mécanismes que j'utilise dans mon travail pour suggérer le sublime, c'est l'immense complexité. Et la plupart du temps, la complexité visuelle ne peut être créée que dans des constructions minutieuses qui contiennent des milliers de composants.
FE Les surfaces des objets que vous créez semblent souvent intactes. Les nouveaux venus dans votre travail pourraient même être dupes en pensant qu'ils ont été produits industriellement. Déguiser votre implication physique pour faire du travail un choix conscient?
SR Les sculptures ont des qualités optiques et structurelles uniques qui dépendent fondamentalement d'une exécution et d'une construction très précises. Pour moi, le travail célèbre un type d'implication physique très dédié, où chaque composant est coupé individuellement et soigneusement intégré dans les structures plus grandes. Il serait, ironiquement, impossible de simuler les travaux de bois sur profondeur de surface avec un processus mécanique ou robotique automatisé. Cela doit être fait à la main. Je les vois comme des objets anti-production de masse. Frikkie Eksteen est artiste, écrivain indépendant et professeur d'arts visuels et multimédia à l'UNISA

Frikkie Eksteen est artiste, écrivain indépendant et conférencier en arts visuels et multimédia à l'UNISA.


TISSU CICATRICIEL
Langa Magwa, Amabhabhathane, 2000, détails d'installation, dimensions variables.
pages 50-55-3
pages 50-55-2
Langa Magwa est un sculpteur au sens traditionnel du terme: il produit des objets tridimensionnels en métal, bois et peau. Son intérêt pour la peau humaine et animale est né d'une sensibilité de l'enfant grandissant avec la famille Xhosa de sa mère dans le Cap oriental. Portant la scarification du clan zoulou / swazi de son père, il le marquait comme «étranger» parmi ses pairs, qui se moquaient sans cesse et se moquaient des marques sur son visage.
Grandir avec peu de connaissances sur ce marquage a suscité un intérêt, une fascination et une recherche continus pour les rituels et pratiques traditionnels, en particulier en ce qui concerne l'utilisation des peaux et des matières animales à des fins médicinales et rituelles. L'absence d'informations de recherche crédibles dans les bibliothèques pendant ses journées de premier cycle à l'Institut de technologie de Durban a conduit à une collecte d'informations directement auprès des aînés ruraux grâce à des entretiens documentés. Ces informations ont ensuite été intégrées à ses différents projets artistiques.
Un travail récent, Imibuzo Yethu, offre un exemple. Ce travail, qui documente le zoulou hautement métaphorique et riche en idiomes parlé dans les villages ruraux ainsi que celui parlé dans les cantons, fonctionne comme une réflexion sur la perte d'informations traditionnelles et l'impact de la langue une fois traduite.
"Imibuzo Yethu est un appel à tous les Africains, en particulier les jeunes, pour relancer notre épistémologie », explique Magwa de son projet. «Même si j'ai bénéficié d'une éducation occidentale, je pense également que ce type d'éducation n'a pas réussi à se situer en Afrique. En Afrique du Sud, les propos des historiens et des anthropologues ont eu un effet très préjudiciable sur la psyché des cultures indigènes. Les mots dans les livres ont formé, non seulement la base de la façon dont les Européens regardent les Africains, mais aussi la façon dont nous, Africains, nous percevons. Notre complexe d'infériorité est bien documenté. »
L'interprétation et la lecture de l'œuvre de Magwa ne sont pas limitées par une politique identitaire réductionniste; Il s'agit d'une réponse soutenue et sophistiquée à la valeur du langage et des pratiques traditionnelles dans une monoculture mondiale émergente.
Déjà un jeune artiste de premier plan, les récentes réalisations de Magwa comprennent: la participation à l'exposition itinérante Portrait de groupe: Histoires de famille SA; nomination pour le prix de sculpture DaimlerChrysler 2002; une résidence d'artiste au Festival national des arts 2003, à Grahamstown. Il a accompli de nombreuses commandes publiques et privées et termine actuellement un gros travail pour le Centre Afrique à Mtubatuba, dans le nord du KwaZulu Natal.
Devis référencé de www.bkaa.co.za/artist_profile.

Storm Janse van Rensburg est une conservatrice basée à Durban.


LE VOCABULAIRE DE L'AMBIGUITÉ

Jacki McInnes, Swell II, 2004, détail, bandes de plomb tissées.

Il y a plus de 10 ans, Jacki McInnes travaillait comme radiothérapeute à l'hôpital Groote Schuur où le plomb était une protection utile contre les radiations potentiellement nocives. Aujourd'hui, elle plie des bandes de métal gris doux sur un morceau de tuyau d'écoulement pour tisser une sculpture dans son atelier de Woodstock.
McInnes a pris une route plus sinueuse vers sa vocation. Elle a étudié les beaux-arts à travers Unisa tout en travaillant dans le domaine médical et dans sa deuxième année a commencé à expérimenter avec le sel et le plomb, qui sont devenus sa marque de fabrique. McInnes aime leurs puissantes associations visuelles et ambiguës métaphoriques. «Le sel a des impuretés qui créent des pigments… et il a des propriétés à la fois curatives et corrosives», dit-elle. Cette synergie entre médecine et art s'est également développée thématiquement. La maladie revient dans son travail et des problèmes tels que l'avortement ont alimenté beaucoup de production créative. Son art visuellement convaincant n'est pas fait pour embellir le salon.
McInnes tire un grand plaisir de créer des pièces à forte intensité de main-d'œuvre et sous-traite rarement la production. Elle travaillera sur différents projets à la fois, en gestation d'idées et en s'inspirant d'elle. Un peu surprenant, la sculpture était un obstacle plutôt qu'un premier choix évident au début des années Unisa. Mais il est clair qu'une affinité s'est développée au fil du temps. Elle dit: «Je crée une image en utilisant un objet plutôt qu'en utilisant une ligne.
McInnes a acquis un MA de Michaelis en 2003, suivi d'une exposition solo acclamée un an plus tard (Bell-Roberts Gallery, 2004). Son travail croise certainement bien avec une esthétique internationale, mais elle pense que l'art contemporain sud-africain a des perspectives convaincantes
McInnes, qui vient de rentrer d'une résidence en Suisse, admire le grappling créatif qui laisse des traces visibles de l'intervention humaine. Elle dit: «Beaucoup d'art américain et d'Europe occidentale semblent assez cliniques avec des procédés techniques très modernes. Ma perception du travail sud-africain est qu'il est tiré de nombreuses sources différentes et assemblé d'une manière uniquement sud-africaine. »

Kim Gurney.