Mars 2008

Art South Africa Volume 6: Numéro 03
Alhyrian Laue; Club des révolutionnaires morts; Le faire pour papa; Lerato Shadi


ARMOIRES HANTÉES
LES CONSTRUCTIONS SEXUALISÉES D'ALHYRIAN LAUE, TOUT EN INVITANT À UNE INSPECTION PLUS ÉTROITE, OFFRENT RAREMENT DES INDICES À LEUR SIGNIFICATION. PAR TIM HOPWOOD.
gauche droite Alhyrian Laue, Grotte hypocauste, Latrine Larder, Une soirée de funambule sociale, tout 2007, tous objets trouvés et techniques mixtes.
Photos Tim Hopwood.
Les installations étonnantes et profondément troublantes d'Alhyrian Laue, récemment exposées dans l'exposition des étudiants diplômés de l'Université métropolitaine Nelson Mandela de Port Elizabeth (NMMU), cachent et révèlent des désirs innommables. Travaillant très souvent à un niveau instinctif, Laue utilise l'armoire principalement comme métaphore de la sexualité humaine. Il s'intéresse à ce qu'il appelle des contraires binaires. Sans s'en rendre compte, certains éléments de son travail font écho à ceux d'un étudiant du NMMU des années 1990, Stephen Rosin.
Rosin a traité principalement des concepts de vision, de connaissance et d'information dans son travail d'assemblage. Très souvent, il présentait des instruments de vue, tels que des lunettes, de vieilles lentilles et des jumelles, mais ils ne fonctionnaient jamais correctement. La connaissance, la vision et la perspicacité dans le travail de Rosin étaient, le plus souvent, présentées comme impliquant un certain degré de futilité et de frustration. À l'époque, certains téléspectateurs considéraient cela comme une indication de la méfiance du public envers les universitaires et les chercheurs, et leur refus général de déchiffrer quoi que ce soit de plus compliqué qu'un panneau routier.
L'utilisation par Laue des lentilles et des miroirs fonctionne très différemment. Dans nombre de ses constructions d'armoires, un appareil esthétique est proposé. Lorsque le spectateur regarde dans cet appareil, sachant déjà qu'il regarde des organes sexuels fabriqués à partir de matière végétale organique, il ne leur est présenté aucun autre indice quant à la signification de l'œuvre - au lieu de cela, ils voient leur propre œil se refléter sur eux dans un miroir. . Dans le cas de son travail Grotte hypocauste, le spectateur voit non seulement son propre œil mais aussi son entrejambe, visible à travers la vulve géante d'une plante.
Certains des assemblages de Laue ont des pièces motorisées qui se déplacent lentement et de manière répétitive, ou dans des spasmes convulsifs, ajoutant à l'inquiétude de son travail. Une soirée de funambule sociale utilise cela d'une manière qui fait référence à Marcel Duchamp Grand verre. Tout comme les célibataires sont à jamais condamnés à leur broyage mécanique répétitif, toujours privés d'accès à la mariée, le grand spermatozoïde d'algues avec sa tête en émail et son gyrate et saillie en forme d'aiguille et convulse à l'infini, à jamais suspendu au-dessus du petit ovule métallique, consommation éternellement niée et frustrée.
Laue, qui termine sa dernière année de ses études de premier cycle, utilise son travail à la fois pour décoder et refléter sa société immédiate. Semblable à son prédécesseur, Rosin, le travail de Laue finit souvent par faire la lumière sur certains petits coins sombres de la psyché collective de Port Elizabeth, en particulier à travers la matérialité de ses objets. Il souligne que les objets trouvés qu'il utilise ont toujours une histoire, et que cette histoire voyage avec l'objet même s'il est recontextualisé - ici Laue fait écho à la croyance surréaliste que le tas de déchets est l'inconscient collectif de la métropole.
Laue est également fasciné par la façon dont les gens interagissent les uns avec les autres, et la tension inhérente qui y règne, en particulier dans les endroits qu'il appelle des marchés de viande: les bars où les jeunes de Port Elizabeth exécutent leurs tangos sexuels ivres mais très chorégraphiés. Comme sa conférencière, Jennifer Ord - qui loue sa réactivité aux contributions - Laue partage un détachement duchampien, non seulement de ces processus sociaux, mais aussi de l'industrie de l'art elle-même. Conscient qu'il ne gagnera jamais un centime de ses installations de Port Elizabeth, il est également conscient du fait qu'elles seront, selon toute vraisemblance, trop à gauche pour les plus grands marchés de Johannesburg et du Cap.
Tim Hopwood est un artiste et musicien vivant à Port Elizabeth.

À propos d'Alhyrian Laue: Né à Johannesburg (1985), Laue a obtenu son diplôme B-Tech Fine Art à la Nelson Mandela Metropolitan University en 2007. Il a été sélectionné à deux reprises pour le Concours de nouvelles signatures Sasol et n'a été présenté à ce jour que lors d'expositions en petits groupes. à Hambourg (près de l'Est de Londres) et Nieu Bethesda.


RADICAUX LIBRES
LE CLUB DES RÉVOLUTIONNAIRES MORTS EST UNE CLIQUE AUTO-STYLÉE DE PERSONNES NOIRES MAD, POLITIQUEMENT INCORRECTES. CHATS SIMBA SAMBO AVEC TROIS MEMBRES.

Wandile Maseko, Accident # 32, Zoo Lake, Johannesburg, 2007, impression numérique sur papier d'archives.

Qu'est-ce que le Dead Revolutionaries Club?
Artiste de la RDC: Eh bien, en un mot, c'est un ... club pour ... des révolutionnaires morts. En fait, personne n'est mort. Ou révolutionnaire. En fait, c'est juste un club. Pour un tas d'artistes.
D'accord, mais que fait la RDC et pourquoi?
Linguiste de la RDC: Vous semblez très instruit et intelligent et tout cela, donc je suis surpris que vous ne sachiez pas que la RDC est un pays au milieu de l'Afrique et qu'on appelait autrefois le Zaïre.
OK OK! Quelles sont les activités du Dead Revolutionaries Club et pourquoi?
Conservateur de la RDC: Oh, tu aurais dû dire ça en premier lieu. Nous avons une série de conférences mensuelles, des cours d'art gratuits le samedi et un site Web vraiment sympa. Nous essayons également de mettre en place des expositions et des événements artistiques d'une journée. Pourquoi avons-nous créé ce club? Principalement pour combattre notre propre désillusion avec la scène artistique et pour injecter une nouvelle dose d'humour, de créativité, de radicalisme et d'expérimentation dans le monde de l'art sud-africain. Nous visons également à fournir une plate-forme où les voix noires, africaines et du tiers monde dans les sphères créatives peuvent être laissées libres et écoutées sans condescendance.
Le nom de votre collectif ressemble à la Dead Poets Society.
Poète de la RDC: Oui, ça l'est. Sauf qu'il n'y a qu'un seul poète et nous ne sommes pas une société. Nous sommes une clique de Noirs fous et politiquement incorrects qui s'inspirent beaucoup, mais pas seulement, de la culture populaire. Contrairement à toutes ces personnes si profondes qui peuplent le monde de l'art, nous sommes des dépendants sans honte du divertissement insensé. Et nous ne souscrivons pas à l'idée que, simplement parce que le cinéma ou la musique sont divertissants, cela ne vous fait pas réfléchir ou manque de criticité.
Qui compose la RDC?
Poète de la RDC: Deux artistes, un linguiste, un poète et un conservateur forment le principal groupe mais nous souhaitons la bienvenue à tous ceux qui s'identifient à notre mission.
Alors pourquoi avez-vous le visage Coon dans votre logo? N'est-ce pas un peu offensant, niant le travail des critiques culturels qui ont critiqué l'objectivation des Noirs?
Linguiste de la RDC: la caricature de Coon a une histoire et une signification multivalentes. Il est utilisé par de nombreuses personnes dans de nombreux carnavals où les Noirs ont été réduits en esclavage. Ces carnavals ne sont pas seulement une célébration, mais incorporent des formes de danse et des gestes qui se moquent du maître des esclaves afin qu'ils puissent être - si j'ose dire - très subversifs.
De nombreux sites Web et collectifs branchés ont vu le jour. Qu'est-ce qui rend le vôtre spécial et comment allez-vous l'empêcher de tomber sur son visage comme les autres?
Artiste de la RDC Il n'y a rien qui nous rend spéciaux à part notre beauté. Nous ne faisons que les choses que nous faisons qui sont importantes pour nous et nous ferons tout pour que notre message soit transmis au plus grand nombre de personnes possible, aussi longtemps que nous le pouvons avec autant d'engagement, d'énergie et de créativité que nous pouvons gérer. . Nous n'avons pas peur d'échouer. Si vous le regardez, même si les collectifs et les révolutions échouent, ils établissent une nouvelle norme pour les autres qui suivent et leur impact s'étend bien au-delà de la durée de vie de l'idée qu'ils avaient à l'origine. La mort est donc bonne, elle permet à quelque chose de mieux d'émerger.

À propos du club des révolutionnaires morts: Fondé en 2007, les membres incluent Khwezi Gule, Sharlene Khan et Fouad Asfour. Les événements précédents ont inclus une discussion publique sur la fracture culturelle entre l'Afrique anglophone et l'Afrique francophone, avec des présentations de l'artiste et poète ivoirienne, Véronique Tadjo, et du cinéaste sud-africain, Ramadan Suleiman (14 octobre 2007), ainsi qu'une discussion sur les magazines culturels , avec des contributions de Bandile Gumbi, Dina Ligaga et Carl Collison (27 janvier 2008).


Les papas de papa
LE FAIRE POUR DADDY EST UN TRIO DE RIOT GRRRRLS COMMIS À PIONNER COLLECTIVEMENT UNE NOUVELLE MARQUE DE «CONCEPTUALISME ROBUSTE». ILS PARLENT À PAPA LARGE.

Renee Holleman (à gauche), Bettina Malcomess et Linda Stupart (regardant en arrière depuis le pont d'observation), alias Doing it for Daddy, menant une visite in situ du Spier Wine Estate, février 2008.

Comment est né votre collectif?
Linda: Tout en fumant des cigarettes simples et en buvant du café bon marché en dehors de Michaelis Art and Hardware, discutons de la diatribe de Sharlene Kahn, alors récemment publiée - publiée dans Art Afrique du Sud - contre les femmes blanches du monde de l'art qui perpétuaient apparemment la même hégémonie qui les opprimait encore, et tout le monde.
Renee: C'était complet avec une liste des accusés.
Renee: À l'époque, les filles de notre papa comprenaient Ruth Sachs, volée à Paris lorsqu'elle a remporté le prix Absa L'atelier.
Linda: L'article de Mme Khan était intitulé «Doing it for Daddy», une phrase bloquée par des crochets.
Bettina: Après avoir envisagé des réponses combatives en colère, nous avons décidé qu'il valait mieux faire un travail qui remettait en question les types de cadrages et les hypothèses que l'article perpétuait…
Renee:… d'une manière non combative.
Linda: Gill Joubert nous appelle «Friendly Subversives».
Quel est votre modus operandi?
Bettina: Nous aimons faire un travail qui critique la structure dans laquelle ce travail existe.
Renee: Par exemple à l'ouverture de Trans Cape ...
Linda:… la biennale qui n'a jamais eu lieu deux fois!
Bettina: Nous avons installé un stand d'encadrement de style colporteur à l'extérieur de la National Gallery. Nous avons demandé à des artistes célèbres de signer, personnaliser et marquer les cadres que nous avions collectés.
Renee: Nous les avons ensuite tarifés en fonction de leur renommée et les avons vendus. Vous pouvez vous procurer un Penny Siopis pour R200, ou un Jane Alexander pour R100.
Linda: L'événement s'est déroulé dans les caisses à savon de Rosenclaire. Il a été filmé puis projeté à l'intérieur de la National Gallery, infiltrant l'événement d'ouverture.
Bettina: Une grande partie de la rhétorique de Cape portait sur le fait d'être la plus grande exposition majeure «d'art africain» sur le continent que nous pensions que nous devions dire quelque chose. L'intervention s'est moquée de la quantité de travail éclipsée par le discours, l'identité et, finalement, le nom qui l'encadre.
Virginia MacKenny vous a récemment nominé pour l'émission 3C de l'AVA. Qu'est-ce que c'était tout ça?
Bettina: Ce spectacle était super pour nous; il a mis en place un système très spécifique pour nous de jouer avec. Nous avions construit trois actes qui ont chacun interprété une chanson intitulée Virginie douce, reflet de l'influence du conservateur sur la production d'un artiste dans une exposition collective.
Linda: La meilleure partie a été de voler le rideau rouge de l'invitation, que la galeriste Kirsty Cockerill avait délibérément choisi pour ne pas distinguer un artiste dans la série.
En parlant d'artistes choisis, vous avez remporté un prix à Spier Contemporary. Qu'est-ce que c'est ça Tour du mauvais côté de la rivière?
Bettina: Si vous regardez des images de la cérémonie de remise des prix, vous pouvez encore voir de la boue accrochée à Renée et à mes vêtements en traînant un bateau coulé (sous l'eau) à travers le barrage de Spier quelques heures seulement avant…
Linda:… et vous remarquerez que je suis sur des béquilles…
Bettina:… et vous pouvez entendre Ed Young crier «lesbiennes». Renee: C'était un travail très difficile, quelque part entre les performances et l'installation.
Linda: Bref, il emmène l'exposition en dehors de l'espace de la galerie pour une visite historique du domaine, qui mêle réalité et fiction. Complet avec un faux guide, des cartes et des balises, il évoque les histoires invisibles des personnages `` ex-centriques '' du passé, normalement cachés dans la présentation immaculée du domaine maintenant.
Bettina: Plus qu'ironique et critique, nous aimons considérer notre travail comme une matérialité engageante. Nous pensons avoir trouvé une nouvelle marque de «conceptualisme robuste».
Renee: Nous avons demandé à Spier une thérapie de groupe dans le cadre de notre prix.

À propos de Doing it for Daddy: Fondé en 2006 par Renee Holleman, Bettina Malcomess et Linda Stupart, le collectif d'artistes a été présenté comme «des praticiens créatifs décidés à contester les perceptions et les attitudes existantes dans les arts visuels» dans une déclaration sur la Cap 07 site Internet. En juillet de l'année dernière, ils ont organisé un événement d'une nuit à la Galerie AVA; pour leur contribution spécifique au site Spier Contemporary 2007, lancés à la mi-décembre 2007, ils ont conduit les participants à une visite du domaine viticole de Spier.


APPRENDRE À RESPIRER
LES PERFORMANCES DE LERATO SHADI SONT DES PROCLAMATIONS ENVOYÉES À L'UNIVERS. PAR SEAN O'TOOLE.

Lerato Shadi photographié à Richmond, Johannesburg, janvier 2008 Photo Wandile Maseko.

Un flashback. C'est une froide nuit d'août aux studios Bag Factory à Fordsburg. Son corps enveloppé de draps blancs, ses bras tendus dans une pose semblable à celle du Christ, ses pieds en équilibre sur un socle dépassant d'un mur au-dessus de la tête des téléspectateurs: Lerato Shadi. Le jeune artiste de Johannesburg ressemble à une chrysalide, sur le point de naître; plus que cela, elle a l'air épuisée, ses yeux distants, sa conscience ailleurs.
Des mois plus tard, assise à une table basse dans la minuscule enclave de banlieue de Richmond, Shadi est à nouveau sa personnalité habituelle: bouillonnante, légèrement timide, sans compromis honnête.
«J'aurais aimé avoir une manière intellectuelle de l'expliquer», déclare-t-elle lorsque je pose des questions sur une série de photographies suggestivement érotiques, mais essentiellement abstraites, qu'elle a exposées l'année dernière à la galerie Gordart. "La raison pour laquelle j'ai fait ces œuvres, c'est parce que j'ai ce qui est considéré comme un bon corps." Bien sûr, ce travail ne se limite pas à ce que son explication initiale suggère. Titré Paysage africain (2006), les photographies monochromes de Shadi tentent de dire des choses sur le regard, et comment la forme féminine est réduite à «un paysage», aussi comment le corps est jalonné et revendiqué, même marqué à travers ce regard.
Mais c'est un travail de formation, le cœur de notre conversation sur l'intérêt de Shadi pour la performance. Il s'avère que son rituel Bag Factory, qui faisait partie d'un festival d'une nuit de performance, n'était pas sa première incursion dans l'action réelle. Pendant son séjour à Wits Tech, elle a barricadé la bibliothèque Doornfontein de l'ancien Wits Tech avec des livres et du ruban à chevrons. La base de l'intervention de trois heures était un désaccord que Shadi avait avec l'administration de l'établissement d'enseignement, mais son élan plus profond - qui coupe tout son travail de performance - a à voir avec le ralentissement des choses, non seulement pour elle-même, mais aussi pour son public. . Elle utilise le mot méditation.
«Si vous regardez le travail de Bag Factory, c'était assez méditatif», dit-elle, visiblement maladroite de devoir exprimer une affirmation définie sur sa pratique de la jeunesse. «Je pense que la plupart de mes œuvres sont très égoïstes, car elles ont avant tout à voir avec moi, avec mon besoin de passer par là.»
Shadi mentionne sa performance Hema (ou six heures d'expiration capturées dans 792 ballons). Présenté comme une projection vidéo dans la galerie latérale de Michael Stevenson, le travail impliquait que Shadi gonflait 792 ballons assis au sommet d'un ascenseur dans un bureau de publicité flash du Cap. L'œuvre retrace ses origines dans une performance live que Shadi a faite chez Anthea Moys et Juliana Smith. Kazoo soirée de performances live à la Johannesburg Premises Gallery en 2006. Là où la première version de cette performance a occupé deux heures de son temps, la version filmée au Cap a duré trois fois plus longtemps.
«À l'origine, il était destiné à un espace de bureau, mais Kazoo était une bonne occasion de l'essayer et de l'expérimenter», explique Shadi. «Après cela, j'ai su que je voulais le faire plus longtemps… parce que je voulais méditer davantage. Je pense toujours à mon travail comme une proclamation ou un souhait envoyé à l'univers. »
Comment ses muscles de la mâchoire se sont-ils sentis après? «Ils étaient douloureux, mais j'étais heureux. C'était avant tout pour moi de vouloir respirer et méditer. »
À propos de Lerato Shadi: Né et élevé à Mafikeng, Shadi est venu à Johannesburg pour étudier la gestion hôtelière, avant de passer aux beaux-arts. Elle a terminé sa B-tech (avec distinction) en beaux-arts à l'Université de Johannesburg en 2006. En novembre 2007, elle a présenté sa première exposition personnelle à la Michael Stevenson's Side Gallery. Elle a participé à plusieurs expositions de groupe à Johannesburg et Pretoria.